lunes, 15 de diciembre de 2014

Una imagen vale mas que mil palabras

UNA IMAGEN VALE MAS QUE 1000 PALABRAS


En la gran mayoría de ocasiones las personas solemos observar las imágenes tan solo desde un punto de vista exterior. No nos metemos en la imagen, solo vemos lo que esta muestra. No vemos más allá.
Esto es un gravísimo error, pues si lo aplicásemos a este caso en concreto diríamos que son tan solo tres paredes de madera que comportan una habitación, en este caso un lavabo, dado que aparecen a los lados las letrinas.

Sin embargo esta imagen muestra toda una vida llena de odio y sufrimiento, de oscuridad y de miedo, de dolor y de agonía, de cientos, miles de personas que pasaron por esta habitación y que les supuso un antes y un después.

Esta imagen como muchas otras cuenta una historia, una tragedia que mostro la faceta más oscura, miserable y diabólica de los seres humanos, lo que somos capaces de hacernos los unos a los otros.  Efectivamente, me refiero al genocidio Nazi.

Me entristece profundamente el pensar que incluso  hoy en día existen por todo el mundo ideales como el nacismo que favorecen el racismo. Mucho nos pavoneamos que hemos mejorado con respecto a la II Guerra Mundial, pero a la hora de la verdad vemos como en mayor o menor medida este pensamiento de que unos son superiores a los otros por las razones que sean sigue presente en nuestras vidas.


La razón de este texto es para que de una manera se reflexione acerca de: ¿porque los seres humanos seguimos tropezando siempre con la misma piedra? ¿Porque no somos capaces de aprender de nuestros errores para que así todos seamos felices?

                                         ¿Como se sigue llevando la violencia a tales extremos?

Cuadernos de Italia

Ignacio Pinazo 

Hace pocos días fui con dos compañeras al IVAM a ver unas exposiciones de arte. Ya había ido algunas veces al museo pero no me acordaba de ninguna exposición por lo cual decidimos ir a ver alguna más reciente para poder hablar mejor sobre ella. Vimos tres exposiciones: Cuadernos de Italia, Arqueología comestible y Después de la mirada.

La de Arqueología comestible, nada más ver la puerta, invitaba a  entrar. Era agradable y despertaban curiosidad las manzanas de la entrada. Era muy expresiva pero, al entrar, me estremeció un poco ver en la pintura dibujado el cuerpo humano al lado de alimentos, como si de comida se tratara.

En la otra exposición, Detrás de la mirada, me gustó más porque era más subjetiva. Al entrar se veían dos cuadros de grandes e iguales dimensiones enfrentados pero de distinto color. Las demás salas de la exposición eran iguales, pero con cuadros de distinto color. No entendí mucho el significado de enfrentar cuadros de distinto color y repetirlo en diferentes salas, pero  creo que el artista pretendía con esta exposición despertar diferentes inquietudes en cada persona que la visitara.    
Voy a centrarme más en la de Cuadernos de Italia, del artista Ignacio Pinazo Camarlench. Aunque no tenga tanto color ni luz como las otras dos, y no llame tanto la atención por parecer simples dibujos de líneas, tiene mucho más. Al entrar, el único color de la sala era el de la pared. Todos los cuadros estaban pintados sobre lienzo realizados con técnicas como sanguina, aguada o plumilla. La relación de Pinazo con el dibujo es la historia de una pasión y una obsesión. El dibujo se convierte para el artista en un medio de conocimiento y análisis del mundo que le rodea, el mundo cotidiano, por esto las dimensiones de los mismos dibujos. Nos presenta una serie de dibujos autobiográficos, de su entorno social y familiar de los años 1880.



Entre los dibujos hay bocetos de obras tan importantes como Los últimos momentos del Rey Don Jaime, Las hijas del Cid o El guardavías. También un considerable número de estudios de desnudos femeninos y masculinos que permiten apreciar como Pinazo fue un maestro en este género.



También, algunos dibujos reflejan hechos históricos de Italia en estos años.




Con la selección de más de cien piezas de esta maravillosa colección, penetramos en los senderos íntimos de la creación de este genio del dibujo.




 "PROCESIÓN NUPCIAL EN HARDANGER" 1848

ADOLPH TIDEMAND Y HANS GUDE


He elegido poner un ejemplo del uso del arte en publicidad para enseñar lo bonito que es es la naturaleza, y lo triste que es contaminarla visualmente. Como que soy noruega, esta obra de arte es una de las que mejor conozco, y creo que es la que más he analizado en mi vida. La obra es del nacionalismo romántico en Noruega. Vemos el paisaje de los fiordos noruegos. Este es el paisaje del que estamos orgullosos de tener. También las personas en el barco están vestidas del traje nacional. Al fondo vemos una stavkirke, que es un tipo de iglesia medieval construida de madera típica de Noruega. 


El movimiento popular Bevar Hardanger (Conserva Hardanger traducido a español) ha manipulado la obra con un gran mástil para protestar al plan de poner mástiles de la red nacional de electricidad en la zona de Hardanger. Con la publicación de esta foto quieren llegar a un debate para conservar la naturaleza. Como que el cuadro tiene una importancia nacionalista y todos lo conocemos, consigue despertar sentimientos en la población.   


EL ARTE EN LA PUBLICIDAD

Hoy os traigo una de las obras más conocidas de la historia del arte y también una de las más copiadas y utilizadas para otros fines que no son los expositivos exclusivamente:
 
EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL
 
 
Esta obra de Miguel Ángel creada en un principio para la catedral de Florencia y situada posteriormente en la entrada del palacio de Florencia, es, hasta la actualidad uno de los monumentos más admirados y visitados por millones de turistas.
Representa el momento anterior de la mítica lucha entre David y Goliat. Se muestra a David desnudo, con una piedra en la mano y concentrado para la pelea que le espera. Lo que más destaca de esta obra es su minuciosidad y su detalle, los músculos, las venas, la mirada, las articulaciones, todo está perfectamente tallado en una única pieza de mármol y se crea un ideal de la figura humana, de las proporciones del cuerpo humano, se trata de un cuerpo idealizado.
¿Por qué explico esto?, Bien en este artículo relacionaremos a esta obra con las distintas campañas publicitarias que han decidido coger este famoso monumento como pieza central.
 
Muchas veces en la publicidad relacionamos a las personas que nos muestran con el producto que nos quieren vender. En estos dos ejemplo de abajo, el primero de ellos es de la Famosa marca de calzoncillos Calvin Klein y el otro de unos pantalones Levi' s. Este tipo de publicidad, intenta hacernos creer, al igual que con los modelos reales que si llevamos esa ropa, esos pantalones o esos calzoncillos llegaremos a ser así, musculados, guapos y atractivos. Relaciona el objeto, el producto,  con la idea de belleza, el canon de ella.
 


Al igual que nos pasa con esta imagen, que hace una crítica a la mala alimentación y a la falta de ejercicio físico. Coge al David y lo transforma en una figura con sobrepeso. Critica que si no nos movemos acabaremos así, y que en vez de una piedra David portaría una hamburguesa, por ejemplo. Destapa el ideal de belleza de una figura conocida por todos para que impacte en el espectador y sea consciente de la realidad.



Este otro ejemplo que traigo, no tiene nada que ver con el canon de belleza, sino con la idea de Obra de Arte, de monumento. Se trata de un anuncio de un arma, una AR50A1. Intenta que los aficionados a la compra de armas de fuego compren esta en particular porque es "una obra de arte" cuando puede ser perfectamente un arma normal como cualquier otra, pero dándole este aspecto la revaloriza, porque está mezclando un monumento querido y bien valorado con un producto, y aquí volvemos a tener la idealización del producto.

 El David de Miguel Ángel no sólo se ha transformado en publicidad, sino que se ha convertido en un icono de la moda, de la belleza, ideal, por eso muestro también este ejemplo de abajo, donde en una imitación de la obra, la visten con rallas y pierde su musculatura y su cuerpo detallado, pero aun así sabemos que se trata de esta obra, por la posición de ella, aunque parezca mucho más flaco y refinado.
 
Por último quiero lanzar una reflexión al aire, de verdad , aunque lo sepamos, ¿creéis que seguimos cayendo en la tentación de vincular el producto que nos ofrecen con la imagen publicitaria que nos dan? ¿Realmente si vestimos al David de Miguel Ángel como el payaso de McDonalds vamos a ir a McDonalds a consumir? O en su caso, ¿Creeremos que yendo a McDonalds conseguiremos el cuerpo del David?, es evidente que no, pero y ¿Y si vemos a un modelo musculado, guapo y arreglado comiéndose delicadamente una hamburguesa nos atraería hacia el producto?
Es una pregunta que lanzo al aire para debatir esta cuestión de la publicidad en la época actual. Y cómo nos influye a la hora de tomar nuestras propias decisiones.

 
Por favor, si os ha gustado este artículo  y queréis dar vuestra opinión, dejad un comentario más abajo.
 
Saludos de una servidora,

 
NataConFresas

ARQUEOLOGIAS COMESTIBLES

 
El IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) acoge hasta el 6 de Enero la exposición Arqueologías Comestibles, de Julio Quaresma.
Esta exposición se compone de tres salas con 16 pinturas, bodegones, dos videos y dos instalaciones.
Se trata de un conjunto de  bodegones  en el que combina máscaras africanas y arte clásico con comida, naturaleza muerta.
Con  esta combinación lo que pretende es hacernos reflexionar sobre los problemas del mundo actual. La esclavitud, la guerra, la sexualidad, la religión, la política...
 
Nada más entrar a la exposición nos encontramos con un bosque de manzanas, colgadas con unas cintas rojas desde el techo. Esto nos hace pensar el porqué, es una introducción a lo que plasma en sus obras. "La comida te da vida, pero también te puede matar". Podríamos pensar que este conjunto de manzanas colgadas es un símil al paraíso. A la manzana de Adán y Eva. Te atraen hacia la exposición y una vez dentro  descubres lo que de verdad expresa. A la derecha encontramos una gran mesa de comedor, pintada con motivos africanos, en sintonía con el resto de la exposición. sentados alrededor de la mesa aparecen unos maniquíes con máscaras africanas. Presiden la exposición. Por un lado muestra la cultura Africana, con las máscaras, lo festivo, pero por otro lado oculta los rostros, por lo tanto puede referirse a las personas anónimas que sufren de hambre, o de injusticias en este país.
 
 
Los lienzos están compuestos por varias piezas, varios volúmenes que entran y salen de la composición para reflejar que nada es estático, que todo se mueve, que es cambiante. Juega con las texturas: Papel de seda, cartón, papel pinocho, aluminio... Y dentro de cada cuadro introduce una mesa con comida, con un banquete y una pieza que no tiene nada que ver con ello. Unas máscaras, un cuerpo desnudo, una cabeza de estatua griega.. Juega con los elementos representados en ellas y los combina para que recreen historias y juegan con tu pensamiento. Uno de ellos tiene una máscara y justo debajo una lechuga, a mí me pareció que era su vestimenta, un vestido de hojas, algo pobre pero útil para las sociedades menos desarrolladas.
 
 
En la pantalla habilitada en la exposición encontramos un vídeo de una persona que está cortando verduras en una tabla, si no ves el vídeo parece un ritmo de tambores, propio de áfrica, epro cuando lo ves y piensas en la reflexión que el autor plasma, puede recordarnos a las matanzas y las injusticias sociales actuales.
 
En general la exposición es muy colorida y acogedora por lo general, te invita a verla, a indagar en sus cuadros y a la vez éstos al tener los volúmenes dispares parece que quieran salirse de la pared. El fondo blanco de las paredes de IVAM es el marco perfecto para colocar esta exposición que fue especialmente diseñada para este museo.
 
 
Con esto os invito a visitar la exposición, a investigarla y a reflexionar sobre ella y aportarme vuestro punto de vista.
 
Espero que la disfrutéis y que podamos debatir sobre este tema,
 
Un saludo de una servidora,
 
NataConFresas

 

DESPUÉS DE LA MIRADA


RAFAEL CALDUCH


Esta exposición tiene un conjunto de 11 cuadros expuestos en cinco salas continuas. En las cuatro primeras salas podemos observar un cuadro a la izquierda y otro cuadro a la derecha. En la última sala también se puede observar un cuadro en cada lado, además de un cuadro al fondo. La iluminación viene del techo enfocado a cada cuadro. El color de la pared de exposición es blanco.



LA FORMA
Los cuadros expuestos son todos un conjunto de cuadrados. Yo las clasifico en tres grupos por el conjunto formado por los cuadrados.

1 Un conjunto de nueve cuadrados de 3x3
2 Un conjunto de cuatro cuadrados de 2x2
3 Un conjunto de cuatro cuadrados de 4x1

Las primeras tres salas tienen cuadros del tipo 3, la cuarta sala del tipo 2 y la última sala del tipo 2 en los lados y el cuadro del fondo del tipo 3.

Cuando entras en la primera sala de la exposición observas los dos cuadros de la misma sala y también puedes observar el cuadro del fondo. El resto de cuadros no los ves. De este modo, por cada sala, te espera una sorpresa de lo que hay. Después de pasar por tres salas, todas con cuadros del tipo 1, llegas a la cuarta sala y te sorprende como ya son cuatro cuadrados en vez de nueve. Cada cuadrado es más grande. En la quinta sala vuelven a ser cuadros del tipo 2. Pero después de mirarlos todos, empiezas a reflexionar; por que el último cuadro del tipo 3, no es un cuadrado?

EL COLOR
Los cuadros tienen colores diferentes. No tienen un color uniforme, pero si que parece que cada cuadro es de un solo color cuando lo observas a primera vista. En el croquis he puesto los colores que son estos dominantes en cada cuadro.

De la misma manera que la forma, vas descubriendo los distintos colores que hay en las distintas salas. En pasar a la siguiente sala te preguntas, de que color será el cuadro? Cuando ves que la forma sigue siendo la misma, te fijas más en el color. No sabes lo que te espera.

Lo que a mi personalmente me pareció más interesante de los colores es; que me han gustado más los colores de la derecha. Por cada sala que descubrí encontré mi color preferido de los dos. Los colores a la derecha me resultaron harmonicos en mi mente, pero las de la izquierda me gritaban de frustración.

Creo que cada persona, por sus gustos y recuerdos, encuentra su propia forma de mirar estos colores. Despiertan algo en ti. Cada color tiene un significado personal, te hace pensar, reflexionar, recordar etc.

LA TEXTURA
Además de la forma y el color, como en cualquier cuadro, puedes encontrar algo más allá. Cuando lo miras suficiente a veces aparecen figuras y formas. La textura que deja el artista es importante para esto. No se si soy yo que tengo un talento de ver caras en cualquier textura irregular o si es normal. Pero estos cuadros son ideales para encontrar algo que puedes relacionar con la realidad sin que es intencionado.



LA EXPOSICIÓN EN GENERAL
Me ha gustado mucho la manera que está expuesto sus obras. El efecto de sorpresa genera sensaciones. Me gusta como el artista cuenta en este vídeo de youtube como quiere que cada uno interpreta su obra de su propia manera.

https://www.youtube.com/watch?v=mo9M-H3k1wo

domingo, 14 de diciembre de 2014

Fontana, el lienzo partido

Lucio Fontana es sobradamente conocido por haber acuchillado el lienzo con múltiples cortes verticales y otros agujeros aleatorios. Lo es bastante menos por la que seguramente fue su auténtica contribución: hacer entender que la obra de arte no acontecía sobre la superficie física del cuadro, sino en la cabeza de quien lo observaba. Sus misteriosas cavidades e inquietantes ranuras abrían la puerta a una nueva dimensión situada en la retina del espectador, que proyectaba en el lienzo lo que le venía en gana.  

Lo que yo me pregunto es :
¿ A esto se le puede llamar arte o solo el arte es algo material y que se pueda percibir con una simple mirada ?
 Sinceramente, yo creo que "el arte" es aquello por el cual el hombre expresa una emoción muy fuerte y la plasma en un cuadro, una escultura, en palabras, imagénes, etc. y lo que pretende es trasmitirles a los espectadores ese gran sentimento que el percibe y compartirlo con los demás.

Por esto mismo no hay que menospreciar ciertas obras que en realidad son un arte en sí, porque el que las crea lo hace con un sentimiento e imaginación que es respetable como cualquier otra forma de arte.